At night by torch and spear - Joseph Cornell

By Night with Torch and Spear
Restored 1979
Collage Film (9 min. at 18 fps) Dramatic use of tinted stock and negative.

One of ten untitled collages from Cornell's private film collection ginen to the Anthology Film Archives, New York, by the artist in 1969.

Como recordar que el cine es falso. Que las imágenes se pueden voltear, y que la música es parte de este mundo inventado.

Muy hipnótico, la música da una sensación entre tranquilidad y nerviosismo, rarísimo que me cuesta explicarlo. Talvez sin la guitarra eléctrica fuera algo mucho más reconfortante, pero está y hay algo tenso al ver las imágenes. A mí me da la sensación de querer estar viendo imágenes de mi infancia, pero en cambio veo fuego y manipulación de los metales gracias a éste. Manipulación, otra vez sale a relucir esa palabra. Lava morada.

Talvez la gente bailando con el fuego detrás, podría significar un poco ésto: creación. Y es justo cuando las imágenes se van a negativo. 

No lo sé, no he buscado una historia dentro de ésto, pero la música definitivamente me asusta. 

Peter Tscherkassky

DISTURBING

No entiendo la necesidad constante de crear tan forzadamente la sensación de incomodidad. Es fácil hacerlo con los soundtracks que usa Tscherkassky. En cambio, pensemos en La hora del Lobo de bergman. 

Una constante sensación de incomodidad, confusión. Y sin embargo, lo hace con gente. 

Ese es el reto, tomar gente ordinaria y llevarles al límite,

una exploración del ser humano.

Tscherkassky crea un malviaje, una pesadilla tan construida que molesta por lo irreal que es.

No me gusta. Y sin embargo, odio que las imágenes sean tan hermosas.

Video

“(...) either it is reality or it is fiction. Either one stages something or one does reportage. Either one opts completely for art, or for chance. For construction or for actuality. Why is this? Because in choosing one, you automatically come around to the other“

Jean-Luc Godard

En la primer parte del video, pareciera toda una ficción. Picasso entra en escena después de una palmada de H.G. Clouzot. Y asi va avanzando, hasta que se toma una foto; ahí la intención era crear algo de conciencia y empezar de nuevo, ahora como si realmente empezara lo documental. Sin embargo en el primer video, aunque pareciera al principio como una alteración y una historia, las imágenes son tal como eran originalmente. En el segundo, aunque pareciera que es mucho más real pues tiene una narrativa un poco más clara y está enfocada a la parte más “documental“ que sería Picasso pintando, es que hay justamente un juego con las velocidades, y algunas imágenes espejeadas. En esta segunda parte, que funcionaría como un juego para que el espectador ahora sí vea lo real, como si en algún momento se sintiera engañado y al ver la advertencia sobre la imagen adaptada se relajara, pero justamente, es cuando más cambios hay. Mi intención es que se diera cuenta de ésto al espejear la imagen de Picasso pintando en un medium shot.

“gestures as language“

Avant-garde filmmaker Abigail Child began her career in San Francisco in 1977 with the experimental film Some Exterior Presence. She had been originally trained to make documentary films, but as her interests primarily lay in the technicalities of film form, she switched to the cutting edge where she became recognized for her fast-paced, whimsical short films. From 1981 through 1989, she began producing a seven-part film, Is This What You Were Born For?, a reworking of different film genres, such as film noir, pornography, and the documentary, designed to explore their underlying content and social setting. In 1987 Child created Mayhem, a film about lesbianism. She moved to New York in 1980 where in addition to filmmaking, she was also active in the avant-garde film movement: teaching, putting together public screenings, and publishing theoretical writings in several film and poetics journals across the U.S. ~ Sandra Brennan, All Movie Guide

PERILS

Una serie de retratos. Cuando se pierde tan abruptamente una narrativa, creo que el sonido toma más importancia de la que tendría normalmente. Este es el caso. La improvisación está increíble, mientras se nos remite a POW! (Batman y peleas) y caricaturas.

“An homage to silent films: the clash of ambiguous innocence and unsophisticated villainy. Seduction, revenge, jealousy, combat. The isolation and dramatization of emotions through the isolation (camera) and dramatization (editing) of gesture. I had long conceived of a film composed only of reaction shots in which all causality was erased. What would be left would be the resonant voluptuous suggestions of history and the human face. PERILS is a first translation of these ideas.“

“The all black-and-white Perils (one wants to supply "of Pauline") is a typical effort, engaging the viewer with a dizzying parody of silent film that shows her characters in a variety of portentous poses and fragmented melodramas. Child's juxtapositions in this work made between 1985 and 1987 are more whimsical than disturbing, with rapid-cut mock fights and mysterious rituals interrupted briefly by simple titles ("1," "2," "Earlier") of the kind found in silent film. Her use of sound is wildly inclusive and constantly challenging, incorporating everything from fugitive piano figures to drama-queen screams in overdub and adding a pleasurably disorienting layer of meaning.“

MAYHEM

“Characters from PERILS reappear, this time in a film noir setting, soap opera thrillers and Mexican comic books generating the action. Perversely and equally inspired by de Sade's Justine and Vertov's sentences about the satiric detective advertisement, MAYHEM is my attempt to create a film in which Sound is the Character and to do so focusing on sexuality and the erotic. Not so much to undo the entrapment (we fear what we desire; we desire what we fear), but to frame fate, show up the rotation, upset the common, and incline our contradictions toward satisfaction, albeit conscious.“

“Mayhem (1987), running 20 minutes, works some of the same territory but adds bits of film noir imagery to its secretive story of inexplicable crimes. Child tantalizes the viewer with stark black-and-white images, again rapidly intercut with all manner of bizarre footage of people running frantically up and down stairs or making out on a rooftop.Japanese hard-core porn from what looks like the 1930s adds to the fragmented fun, as a naked lesbian tryst is interrupted by a masked man. Significantly, a straightforward male sexual fantasy is upended as the dykes force the masked man to cater to them. Apparently inspired by that heady duo the Marquis de Sade andRussian formalist filmmaker Dziga Vertov, Mayhem has a shotgun editing style that rains over the viewer like confetti.“

“Perils and Mayhem are part of an ongoing series of shorts — "detachable" in the words of their creator — called "Is This What You Were Born For?" Another entry in that series is Mercy (1987), clocking in at a mere 10 minutes but packed with powerful, often arresting images. Child's whimsy is in full tilt here, interweaving shots from home movies, industrial film, and various kinds of found footage into a witty collage. The film authoritatively inverts the Kodak Moments syndrome in its brief running time. A faded color scene of a soldier running to the arms of his family, probably shot in the 1950s, carries the voiceover "How does it feel to see your son become a man?" Child answers that question with images that bring up many more questions: two sweaty pro wrestlers going at it; a bronco busting a steer; high school boys wrestling; masses of faceless men at some undisclosed event; and more charmingly, little boys in a dance class. The spiraling of images has an almost vertiginous effect, but some of them linger long enough to unsettle, as in the shot of a naked man from what looks like old medical footage becoming increasingly agitated as a siren wails ever-louder in the background.“

“Child says, "I started as a leftist documentarian, but I quickly grew tired of the limits inherent in the documentary structure." B/side, at 38 minutes a long work for Child, is a documentary of sorts, in the author's words "an experiment in entering imaginatively the delirium of the Lower East Side." The delirium focuses on Dinkinsville, a tent city that erupted during Mayor David Dinkins' era. But typically, there's nothing straightforward about this record. Child is a discreet observer, dispassionate in her recording of the daily rituals of life in this desperate dystopia. Women washing in the streets, setting up their lean-to's, haggling over merchandise — these prosaic events are recontextualized through Child's rhythmic editing and strong compositional sense, which brings a poetic power to the events it chronicles. Actress Sheila Dabney plays the numb Everywoman wandering with a kind of hopeless grandeur through the film's grim tableaux.“

“Since the 1970s, experimental filmmaker and poet (and lesbian) Abigail Child has been engaged in a kind of cultural archaeology. Unearthing found footage from such disparate sources as industrial films, vacation and home movies, porn loops, and snippets from forgotten B-movies, she recycles and updates approaches to cinema that have a freshness and sense of wonder that recall the movies' silent days. While this approach suggests the reactionary, the result is in fact quite the opposite. Child's work, which plays periodically at such venues as the Whitney Museum and the San Francisco Cinematheque, is the subtlest form of agitprop, powerfully exploring very modern issues of gender and class through early (and present-day, for that matter) cinema's primary artistic strategy: montage, both visual and audio. Also like silent film, Child's work shows an unself-conscious delight in the visual.“

http://www.brightlightsfilm.com/32/abigailchild.php

Shūji Terayama

Video Letters

“This remarkable compilation follows an exchange of video letters that took place between Shuji Terayama and Shuntaro Tanikawa in the months immediately preceding Terayama's death. It can be thought of as a home video produced by two preeminent poets and inter-laid with highly abstract philosophizing, slightly aberrant behavior and occasionally flamboyant visuals.“

Lo que me parece vanguardista en cuanto a este trabajo, es básicamente el tema.
Diarios de artistas y de viaje se han publicado cantidad de veces, también se ha dado a conocer mucha de la correspondencia entre diversos artistas. Sine mbaro aquí, pareciera que desde un comienzo el rtabajo estaba hecho para mostrarse, talvez me equivoco.
Sin embargo, es interesante ver la aproximación de dos artistas al problema de las limitaciones de las cartas, generalmente reducido a un lenguaje escrito o algunas fotos.
En cambio aquí, podían no sólo verse, escucharse sino que regalarse mutuamente pequeños fragmentos de película, pequeñas obras de arte el uno al otro. Aterrizar en imágenes y sonido lo que el otro sentía o quería comunicarle, sin recurrir a una descripción por medio de palabras.

Abstracciones de tiempo

Me ha costado un poco entender a qué se refiere con abstracciones en el tiempo, siempre me gusta recordar una frase de Cocteau 

“Si el cine no permite abstracciones en el espacio, permite abstracciones en el tiempo.“

Como yo lo entiendo, el cine casi todo es una abstracción en el tiempo, como pudiera ser Corridor por ejemplo. 

Pero he encontrado los siguientes ejemplos.

1. La increíble y maravillosa genial elípsis que hace Bergman en Persona, en el min. 10

Sin mostrarnos todo completo, con un simple acertadísimo corte con la cachetada y el cambio de locación entendemos que llevan peleando un buen rato. 

2. El Sacrificio

Cuando hace el amor Erlend Josephson con la mujer y vuelan. Aquí también puede que la abstracción vaya más allá del tiempo y se materialicé con el vuelo de éstos, pero no deja de plantear que el tiempo es otro asi como también la realidad. (No encontré video ni imagen).

3. Sympathy for the Devil - Jean Luc Godard. 

Toda la película funciona como una abstracción de tiempo con los fragmentos de los Rolling Stones construyendo la canción. Aunque hay una narrativa muy clara y evolución de eventos siempre se vuelve a la eterna creación de una canción, que al final nunca vemos terminada. Funciona como metáfora de la obra de arte que nunca pareciera estar lista. 

4. Al azar Balthazar - Robert Bresson. 

Aquí funciona tomando como referente de paso del tiempo la vida del burro. Todo pasa a través de sus ojos y sus etapas con la gente. 

"I think of my films really much more as projected light art,"

"I've always been interested very much in the question of how do we see? How do the eyes think, how does the brain see? What is this mechanism that's [composed of] retinas and lenses and stereo vision, that produces what we call 'vision'? The optic nerve is an extension of the central nervous system. So it isn't just visual—it's cerebral or cortical."

- Standish Lawder

NECROLOGY

"In NECROLOGY, a 12-minute film, in one continuous shot he films the faces of a 5:00 PM crowd descending via the Pan Am building escalators. In old-fashioned black and white, these faces stare into the empty space, in the 5:00 PM tiredness and mechanical impersonality, like faces from the grave. It's hard to believe that these faces belong to people today. The film is one of the strongest and grimmest comments upon the contemporary society that cinema has produced." - Jonas Mekas, The Village Voice

"Several short films (at the Ann Arbor Film Festival) seemed notably successful in the creation of special effects. Among these was NECROLOGY, by Standish Lawder, an eleven-minute panning of the camera down what seemed an endless stairway, upon which people stood motionless and glum. These circumstances, plus the constant idea of the title, gave a haunting suggestion of people on their eventless way to hell. I was told later that the film was made with a stationary camera trained on a down escalator, and then the film was run backwards. A long, humorous 'cast of characters' at the end ... seemed to me to destroy a desirable mood, but it certainly pleased the crowd ...." - Edgar Daniels, New Cinema Review

"Without doubt, the sickest joke I've ever seen on film." - Hollis Frampton

El nombre NECROLOGY nos hace entrar al video como buscando respuestas. Suben al cielo, suben al infierno, están muertos, son fantasmas, ángeles, qué es lo que pasa. Al final pareciera ser simplemente una serie de retratos, para doblarnos de risa en los créditos, y darnos cuenta de que estuvimos buscando explicaciones a algo que es bastante simple, aunque después las dudas partan de entender cómo se hizo, y dónde estaba la cámara. Los creditos conforman una parte muy importante, pues pareciera que toda la narrativa está ahí, es donde se nos cuentan pequeñas historias.

“Lawder demonstrates the power of words to define and explain, to suggest what the image cannot. Necrologythus posits that the film doesn't really end with its final image; its credits, rather than being extraneous or external to the film's world, actually define what the film is, what it means. Lawder surprises us at the end by telling who and what it is that we've just seen. His small descriptions of the characters who so briefly appeared within his frame expand the film beyond its images into a rich world of imagination.

CORRIDOR

"... an extraordinary exercise in visual polyphony ... the pyrotechnic surface is exfoliated with Hegelian relentlessness from an elemental formal core ... the many are no less the many for being inescapably the One." - Sheldon Nodelman

"CORRIDOR is a marvelous meld of music and cinematic tension that maintains a visual excitement throughout with its constant exploration of horizontal and rectilinear patterns, chiaroscuros and deep grains, pulsating double and negative exposures, and constant tracking shots of a nude figure standing at the end of a long, close corridor. A first-rate piece of work that has to be seen to be appreciated. CORRIDOR is a film of which any filmmaker would be rightly proud." - James Childs, New Haven Register

Para mí, CORRIDOR es la exploración de un espacio y las posibilidades de la cámara. Se nos muestra desde casi todos los ángulos posibles, y se explora la experiencia que puede partir a través de ésto. De un simple pasillo se crea una sensación de tensión, (por lo menos en mí) que parte creo de estar buscando una narrativa que no existe. Es básicamente la búsqueda sobre crear una sensación a través de música y montaje. 

“What happens is that the film is projected in 24 frames per second. If you take a piece of film, double print it, you can drive the brain into alpha mode but double printing two frames at 12 seconds…it nudges it into a dreamlike state.”

- Standish Lawder

Abel Gance

Leyendo a Godard, me encontré con una pequeña referencia a Abel Gance y su POLYVISION. 

Me parece que en su época por lo menos, fue vanguardista y por lo menos buscó nuevas formas de crear experiencias. Asi que le dedico una entrada muy cortita. 

Lo que Gance creó fue un tipo de Widescreen el cual estaba pensado para la proyección de su película Napoleón. Para esto, Gance adaptó 3 cámaras. 

Básicamente era la proyección simultánea de 3 rollos. Lo cual permitía dividir la pantalla en 3 o crear una toma muy alargada (1.33:1 x 3)

Ahora, Godard hace una crítica muy precisa y hermosa y dice:

“If one wants to tell a story, a tale, an adventure, one will be forced for most of the time to consider the triple screen as a single one.“

Revivir las cosas

Pensar el cine no sólo como una proyección sino como algo más global o envolvente, y no sólo pensar en la película sino también en las posibilidades del material y entonces Decasia se presenta con una orquesta y se le llama film symphony.

Morrison me ganó justo en lo que quería hacer recaer esta entrada, y es la relación de Decasia (proyectada como fue concebida, esto es con la sinfonía) y el teatro. Pero justo leyendo una entrevista con él, menciona como uno de sus fuertes influencias (más que nada por el momento en el que las cosas se estaban haciendo, él y otros artistas) como el teatro. Habla de que en el teatro, se crea, cada vez que se presenta una obra se crea algo nuevo, es lo opuesto a estático. Y Decasia, viene a ser lo mismo, es una película distinta proyectada en clase, una experiencia diferente al estar con una prquesta en Suiza, incluso cada vez que se presente pues es interactiva en el sentido de que está la gente ahí y existe la posibilidad de intervenir, con un estornudo y asi cambiar la experiencia de la persona de al lado, o con un grito o una risa fuera de lugar. 

Me parece hermosa la relación que pareciera imposible, que se ha creado en esta película. De material de archivo que pudiera parecer muerto, inservible a una experiencia tan vital y cambiante. 

Uniones

Nam June Paik
Explorador.
En Practical flight and from there aesthetical flight? On the Stationary Nomadism of Nam June Paik Jinsok Kim hace una interesante relación entre haber el hecho de que Paik haya huído de Korea mientras estaba en guerra (hecho que repetidamente menciona como vergonzoso) y su libertad entre los distintos campos que ha explorado como artista. Me parece una bonita metáfora y la puedo sin problema tomar como cierta. Pudiera ser tan simple como abrir el espectro de estímulos, que cambian considerablemente de un país a otro aunque haya similitud entre la lengua japonesa y la koreana. También menciona que esta relación es muy posible por el caracter fantasioso de las obras de Paik, algo asi como huír de la realidad.

Paik tomó las tecnologías emergentes y las llevó a un límite, o mejor dicho, las empujó hasta toda su capacidad,.. Habla en una entrevista sobre la profunda relación que ha habido siempre entre tecnología y arte, y él hace un ejemplo muy claro mencionando las pirámides egipcias. Yo pienso que no hay que ir más lejos que pensar en el cine, como un arte que nace a partir de un desarrollo tecnológico. (supongo que todas).

En la lectura Satellite art: an interview with Nam June Paik Eduardo Kac vuelve a mencionar la característica de trota mundos de Paik como parte fundamental de su arte: Paik´s search for a visual language that suppresses physical space as a function of real time may be compared to his own dynamic as a globe traveller. Quisiera quedarme con la primer parte, sobre suprimir el espacio. 

Probablemente como un directo precursor de las video conferencias, Paik pudo aterrizar una de las características que más definiría a la generación por seguir: simultaneidad. Mi generación ha logrado por medio de las computadoras y el internet dominar el multi task, estar en un espacio virtual interactuando con otra gente mientras trabaja y escucha música. Talvez Paik nunca pensó en ésto, pero su obra con los satélites y la transmición simultánea me hace pensar que igual a alguien se le tenía que ocurrir estar en varios lugares a la vez (como yo ahora que me encuentro en casa y en un -no lugar como facebook y un chat de gmail). Y yendo un poco más lejos, mientras Wrap around the world mostraba elementos culturales de Francia, China, Estados Unidos, Japón, Alemania, Italia, Austria, Irlanda, Inglaterra e Israel, por qué no de una vez pensar en el adelantado (para ese entonces) concepto de globalización. Multiples lugares, en uno mismo. 

Pienso en Paik y en uniones. Unión de tecnología con arte, de espacios, de televisión y música, de música e imagen, de danza con video. 

Matthew Barney y David Lachapelle

Odio a ambos... ¿será casualidad?

Cremaster

Que conceptual es Matthew Barney. El titulo de su serie Cremaster, tomado del músculo que alza y baja los testículos.
Imágenes completamente producidas, bellas dirían algunos, plásticas dirían otros.
Al referirse a Cremaster se habla de la supremacía de la forma y de un arte defendiéndose ante la narrativa literaria. Sin embargo yo encuentro una historia muy clara en los dos episodios de Cremaster que vimos. En teoría Cremaster 1 no tiene ni un principio ni un final, pero hay una progresión y hay una historia que avanza, pienso en la mujer que va abriendo la tela hasta comerse las uvas, pienso en las chicas bailando en el estadio de fútbol al principio desorganizadamente y luego en una coreografía hermosa y que hasta pareciera tener un clímax. Ni hablar de Cremaster 2 que hay una clara historia, el protagonista mata al oficial. Entonces no es que Barney esté creando una nueva forma sin narrativa. Claramente en una entrevista Barney dice que su interés se volvió contar historias. Entonces me da la impresión de que nadie se pone de acuerdo en cuanto a Barney.

En el texto de Digital Satyr. Notes on Matthew Barney, de Alexei Parshikov menciona que para entender el trabajo de Barney hay que entender el contexto y sobre todo su ambiente, ideas y recurssos.
Sigo creyendo que la fuerza de Cremaster es el concepto y lo que le rodea, y no tanto el trabajo en sí. Desde el nombre hasta la forma en como se hicieron en desorden; pareciera que esos son los puntos fuertes y fascinantes, las imágenes tan cuidadas.
Hablan de un trabajo con multiples lecturas. ¿No es eso un indicador de la falta de discurso? Multiples lecturas porque luego pareciera tan ambiguo entre sus “bellas“ y “producidas“ imágenes.
En otra de las lecturas se menciona que lo maravilloso de Barney es la capacidad de haber creado un mundo mitológico, cuando yo creo que lo ha hecho por medio de un pastiche (igual que Jodorowsly), y a fin de cuentas, no es el primero y lo que pienso inmediatamente es El Señor de los Anillos, y dudo que haya algo de Tolkien en el Tate Museum. Regresando al pastiche me refiero a que Barney ha tomado referencias culturales de los Mormones, Masones, etc. Entonces ¿qué mágico y único mundo ha creado?
En clase se me pregunto ¿entonces por qué es tan valorado en el mundo del arte? Bueno, yo siempre he entendido que el mundo del arte se mueve por modas, y que se trata llanamente sobre relaciones de poder, alguien arbitrariamente decide que eso es maravilloso coneceptual y decide colocarle en un museo. Si el trabajo de Barney trasciende, y en 20 años se le recuerda por el fuerte impacto que tienen sus (lo que yo considero) imágenes vacías, entonces claramente se probará que estoy equivocada y que no he sabido apreciar a un genio.

Que no se olvide VanDerBeek

Talvez no tenga mucho que ver, pero quiero hacer una pequeña entrada sobre un cineasta que vi hace un par de años y sólo una vez pero se me quedó bastante presente y más todavía porque nunca lo he estudiado ni visto formalmente en una clase.

Stan VanDerBeek
Igual que los cineastas de el segundo bloque del curso, VanDerBeek experimentó con técnica, textura, y concepto.


Astral Man an Illuminated Poem está un poco relacionado con la entrada anterior pues también es un cambio de pinturas/dibujo; hasta parecería la influencia directa de Le Mystere Picasso.

Curioso también, la película es muda. Brackage no fue ni el primero ni el único. VanDerBeek también experimentó con otras disciplinas, haciéndolo uno de los más importantes y productivos vanguardistas a partir de los 50s.

"It is imperative that we quickly find some way for the entire level of world human understanding to rise to a new human scale. The scale is the world" The risks are the life or death of this world. The technological explosion of this last half-century, and the implied future are overwhelming, man is running the machines of his own invention... while the machine that is man... runs the risk of running wild. Technological research, development, and involvement of the world community has almost completely out-distanced the emotional-sociological (socio-"logical") comprehension of this technology. The "technique-power" and "culture-over-reach" that is just beginning to explode in many parts of the earth, is happening so quickly that it has put the logical fulcrum of man's intelligence so far outside himself that he cannot judge or estimate the results of his acts before he commits them. The process of life as an experiment on earth has never been made clearer. It is this danger — that man does not have time to talk to himself — that man does not have the means to talk to other men. The world hangs by a thread of verbs and nouns. Language and cultural-semantics are as explosive as nuclear energy. It is imperative that we (the world's artists) invent a new world language..."



Este es uno de las cosas más bonitas que pueden existir en la tierra.

Esta es una versión muy cortita, abajo viene la completa.
Achooo Mr. Kerrooschev Stop- Motion y collage.






http://www.ubu.com/film/vanderbeek.html

"Cine basado en conceptos"

EL PROCESO







Aprovecho para usar la película con la que haré mi proyecto final. Sobre Hollis Frampton poco puedo decir, pero he encontrado talvez una similitud importante entre un fragmento de Le Mystere Picasso y Lemon.

Es como si la obra de arte, fuera también su proceso. En el cuadro de Picasso, es muy impactante gracias (no del todo pero sí gran parte) a todo lo previo a la versión final, los cambios que sufrió, colores, proporciones, etc. Y en Lemon, al mismo tiempo lo importante es el cambio es la luz y el proceso de ésta, no el limón en sí, como tampoco es el cuadro de Picasso en sí pero como se va transformando.

Simplemente para unir esta idea con algo más; Sympathy for the Devil de Jean- Luc Godard. Por un lado está la parte militante de Godard, pero está la otra que es The Rolling Stones en su proceso de hacer una canción, y en sí, el proceso es todo el foco, pues nunca vemos la canción terminada.

Editar

Para mi proyecto, surgió una nueva idea. Tomar un fragmento de un documental, editarlo y crear una pequeña ficción a partir de ésto.

Por una parte me interesa porque quisiera ser editora. La idea surgió de un amigo que una vez me dejó un ejercicio: plantear ciertas preguntas (preguntas que todo mundo pudiera tener una respuesta), grabarlo, y después editar. Al final nunca lo hice pero siempre me quedé con las ganas de intentar mover el discurso y crear otro alterando el orden.

La película que escogí es Le mystere Picasso de Henri-Georges Clouzot.
Al verla quedé cautivada. Pude ver la creación, de un genio. Y lo que más me impactó es cuanto modificaba los cuadros; cuando yo creía que uno estaba listo, la cámara seguía registrando modificaciones en la forma, color, etc.

www.dipity.com/eternauta

Sangre de un poeta

Decidí ver Sangre de un poeta, de Jean Cocteau.
El experimento era el siguiente:
Capitulo 1
Capitulo 3
Capitulo 2
Capitulo 4

Me parecía interesante probar con esta película, porque me daba la impresión de que no se trataba de una historia contada linealmente.

Primer señal de Cocteau (tan mágico y presente):
' FREE TO CHOOSE THE FACES, THE SHAPES, THE GESTURES, THE TONES, THE ACTS, THE PLACES THAT PLEASE HIM, HE COMPOSES WITH THEM A REALISTIC DOCUMENTARY OF UNREAL EVENTS. '

Es como si me estuviera dando autorización para experimentar con su película. Libertad.

Y fué asi:

FIRST EPISODE: the wounded hand or the scars of a poet.
En este capítulo, el poeta está pintando un cuadro, que de pronto empieza a hablar. (La obra reflejando estas heridas del poeta) que al poco tiempo se traslada a su mano. Con la cual pelea, besa, mira, y al final acepta. Y derrepente empiza a girar una máscara. Esto sería clave, porque sería como un viaje en el tiempo.

THIRD EPISODE: the snowball fight.
El viaje en el tiempo resultó ser un flashback. Como si esta herida que aparece en la mano del poeta, le llevara a recordar de donde nace. Mágico. Funcionaría de esa forma. Y vemos una pelea de bolas de nieve en la que el poeta aparentemente mata a un niño.

SECOND EPISODE: do the walls have ears?
Empieza con una estatua diciendo: do you think it's that simple to get rid of a wound?
Como si recordar este evento hiciera que desapareciera esa boca en la mano. Después entra en el espejo y se encuentra en un pasillo lleno de puertas, con varios episodios.

FOURTH EPISODE: the profanatino of the host
Ahora... para ser honesta aquí ya todo se puso un poco incomprensible. Se regresa a la escena de la nieve, con el chico muerto y un ángel.

Como conlusión.
Evidentemente hay algo un poco más linear de lo que pensaba, aunque en la película 'normal' va de adelante a atrás, y con el experimento se crea un juego de flashbacks. Pero también, queda claro en mí que siempre ha habido algo muy cósmico, místico, misterioso y sabio en la obra de Cocteau. Tanto es asi, que aunque en al final haya entrado confusión, sigue funcionando la película al alterarla de esta forma.

No lo sé, por un tiempo me quedaré con esta versión de Sangre de un Poeta.

Piazza d'Italia de Giorgio de Chirico

Primero noté las perspectivas y que el sol está del lado derecho, creando sombras en diagonal hacia la izquierda.
Después vi el volcán de atrás, que parece que está haciendo una explosión o sacando una humareda. Y pareciera que pasa un tren.
De pronto apareció un pequeño cuarto obscuro en el edificio de la derecha. Me pregunto ¿qué será? ¿una sala? ¿habrá gente? ¿estarán viendo el atardecer? O talvez todos huyeron al ver el volcán explotar.
A los cinco minutos sentí la necesidad de prender un cigarrillo. Lo cual hice.
¿Qué hacen esos dos personajes en medio de la plaza? Me pregunto de qué hablan. Y recién decido que están haciendo negocios.
El cielo está verde, y el piso es amarillo pero creo que es porque el sol a esa hora pinta todo en colores muy cálidos.
Noto que Chirico maneja a la perfección las sombras que crean las columnas en el edificio de la izquierda. Y al mismo tiempo noto que el edificio que está atrás y en el medio también lo tiene. Y el sol a su vez pinta de naranja muy fuerte.
Ya pasado un rato recién ve que hay una caja en primer plano. Y luego veo que no es una caja sino un bloque. No tengo idea de qué pueda ser.
El viento sopla de derecha a izquierda, como haciendo coro a las sombras y mueve las banderitas del edificio del medio.
Me empiezo a desesperar.
El misterio de Chirico hace que la estatua o escultura idescifrable que está casi al lado pero más adelante de los hombres de negocio, no me cause tanta intriga. Sin embargo el bloque sigue ahí, hasta adelante. ¿Por qué?
Es raro, tan desolado, pero con tanto por ver.
El pico de la escultura/estatua crea una línea con el volcán, y a la vez con la sombra, y también con el edificio de la derecha. Tres diagonales.
Busco por todas partes para encontrar algo nuevo.
Se detuvo el tiempo.

Nuns gone wild

No me gustó The Devils. Me alteró, me puso de mal humor y sigo sin entender ¿qué tiene de vanguardista la película?
Está basada en un texto de Aldous Huxley.
Transexuales, sexo, homosexualidad, deseo. Una película controversial no me impacta nada más por controversial, por mezclar sexo e iglesia.




Entiendo que talvez se quiera evidenciar la hipocrecía de la iglesia, su 'imperialismo', pero no me sorprendió ni derribo nada.

Falso y real

Punishment Park.
No sé dónde está la vanguardia de la película. Pero creo, que si la hay, está en el juego entre realidad y ficción. La película es un falso documental, y lo hermoso está en que pudiera ser tan real. Cárceles clandestinas, juegos con prisioneros, encarcelados sin juicio o un juicio no formal o no civil.




Falsos documentales hay varios, la forma ha dejado de parecerme vanguardista o que crea un lenguaje. Pero insisto, en esta película el límite entre la realidad y lo creado parece muy débil, casi ilusorio. La forma expresa por medio del juego, esto es, una metáfora de estos sistemas represores por el cual Estados Unidos ha ido poco a poco conquistando territorio y callando opositores.

También es muy rescatable que el juzgado que se presenta en la película, no está conformado por actores sino por gente defendiendo lo que creen ahí mismo. Conservadores confrontados por una nueva generación. Esto sí es vanguardista.





Más claro que nunca quedó con las fotos reveladas de Abu Grhaib, en que vemos a militares divertidísimos en un juego de tortura. La encarcelación como un divertimento para quien está en poder.






Me encanta la relación entre esto y el juego que plantean en la película; un juego para salvarse la vida. Y claro, ¿un juego? parecería imposible. Watkins es un adelantado y un profeta. Hay que tomar en cuenta que la película es de 1970, y Estados Unidos sigue prácticamente con la misma fé en la guerra que hace 40 años, y que los Estadounidenses siguen inmersos en guerras que no quieren y sin embargo permiten.